historia del arte ll

Universidad  Tecnológica Equinoccial

Carrera de Arquitectura

Nombre: Esteban Boada

Curso: segundo  Semestre

Happening

Marta Inés Minujín (Buenos Aires, Argentina, 30 de enero de 1943) es una artista plástica argentina, conocida por sus obras vanguardistas producidas principalmente durante los años 1960, 1970 y 1980. Su obra, de carácter conceptual, pop, psicodélico y de acción, se ha convertido en el paradigma de la generación baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las normas sociales preestablecidas y estableció una contracultura. Nació en Avellaned. Habiendo vivido una infancia que ella misma ha descrito como "horrible", Minujín estudió Bellas artes en algunas escuelas nacionales sin recibirse. A los dieciséis años presentó su primera exposición individual e inició su breve paso por el informalismo. Ese año, Minujín consiguió una beca en Francia y para emanciparse falsificó su documento y se casó con el economista Juan Gómez Sabaini.En 1962 regresó a la Argentina, pero un año más tarde vuelve a París gracias a otra beca. Allí se vincula con el Nuevo realismo y realiza su primer happening, La destrucción (1963), en el que colegas de Minujín destruyeron los trabajos de la artista. De vuelta en Buenos Aires, Minujín presentó varios happenings, performances e instalaciones artísticas en el Instituto Di Tella.

“La Destrucción”

Minujín organizó una exposición de su producción a partir de los últimos tres años en un terreno baldío en el Impasse Ronsin, en París. La exposición incluye obras de otros artistas, como Christo y Lourdes Castro. El 6 de junio, Minujín invitó a sus colegas y amigos a una destrucción colectiva de sus obras. Cada artista participante es invitado a realizar una obra sobre las expuestas. Un personaje vestido de verdugo comienza a destruir las obras mientras Minujín rocía las obras con nafta y las quema, al tiempo que libera 500 pájaros y 100 conejos.

En esta obra Minujín usa sus propias obras de arte, para que sirvan como lienzo para sus colegas invitados, ellos usan para realizar sus obras varios materiales como sprays, pinceles, guantes de goma, tijeras de cirugía, crema. Para finalizar Minujín usa nafta para incendiar las obras.

En este happening la autora de esta obra nos da a entender ese lado salvaje que llevamos dentro, esa necesidad de desahogarnos de la vida cotidiana y liberar nuestro estrés acumulado por tensiones, preocupaciones y demás, que nos pueden hacer que tengamos mal estar.

Performance

Abel Azcona es un artista interdisciplinario español especialmente unido al arte de acción, su trabajo, sin embargo, explora y se centra gran atención a los resultados estéticos y por lo tanto se relaciona con medios como la fotografía, el videoarte, instalación, performance y escultura. Su trabajo artístico se ha presentado en diversos museos, centros de arte contemporáneo, galerías y espacios artísticos de países de todo el mundo como España, Portugal, Francia, Italia, Dinamarca, Reino Unido, Alemania, Grecia, Polonia, México, Colombia, Venezuela, Perú, Ecuador, Argentina, Estados Unidos de América, China, Filipinas y Japón.
Su trabajo se define generalmente entre unos y otros a través de una sinergia constante: autobiográfica y crítica. Esto hace su trabajo muy heterogéneo, y lo hace como un retrato personal.
"No Deseado"
Es una visión retrospectiva del artista Abel Azcona presentada durante el 2014 y el 2015 en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Muestra con obras de fotografía, videoarte, performance art e instalación del artista de los años 2004 al 2014. 

Esta exposición comprende de un registro fotográfico de tres procesos performáticos, el primero, Feed me, insinúa, mediante la leche materna y el gesto del artista al agitarla y derramarla, El segundo, Biological Meeting, es el registro de siete días de acciones de contacto con personas residentes de Pamplona y San Sebastián (España), quienes tenían en común heridas de abandonos, abusos y maltratos. El último, Vaginas Anónimas, por medio de la recolección de diez mil fotografías de vaginas.

Ser hijo de una prostituta, que sólo pudo pensar que su hijo fue un error desde su concepción,  puede ser un golpe muy fuerte tanto para la madre, como para el hijo. Viviendo una vida de miseria y pesadilla para la madre y para el hijo una vida de desamor, hambre y desentendimiento, con el paso de los años puede conllevar a una vida de abuso sexual, físico, psicológico, drogadicción, discriminación, o simplemente luchando por encontrarse a sí mismo.

En esta obra de Abel Azcona, nos hace ver la vida de una prostituta sus los sentimientos, los abusos que puede tener mientras trata de salir adelante de una manera errónea, el sufrimiento de una madre que debe hacerse cargo de un hijo no deseado y las difíciles decisiones que puede tomar para salir adelante.

Instalación artística

Robert Therrien nació en 1947 en Chicago. Su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles (1984); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1991); Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2000; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York (2006, 2007 y 2013); Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (2007); Kunstmuseum de Basilea (2008); De Pont Museum, Tilburg, Países Bajos (2011) "Robert Therrien: Scrub Brush Pájaro libro," Paxton House, Berwick-upon-Tweed, Inglaterra (2013); y "Robert Therrien," The Exchange, Penzance, Inglaterra (2015). Robert Therrien transforma elementos de la cultura de la vida cotidiana en las obras de arte que evocan arquetipos clásicos. Su engañosamente simple obra se presta a la interpretación psicológica, dada su evidente fascinación por las narraciones de la infancia, sin dejar de ser firme objetivo debido a su proximidad literal al real y su relación con la mínima.

“Colilla de Cigarrillo Gigante”

Esta obra de instalación artística de una Colilla de Cigarrillo es vista al interior de una estación de tren Gare de Lyon, en París, el 4 de diciembre de 2012, como parte de una campaña en contra de la rudeza en el sistema público de transporte.

En esta instalación el autor por el tamaño y el lugar escogido para exponer la escultura trata de captar la mayor atención de los transeúntes, para transmitir un mensaje de que el uso de cigarrillo es perjudicial para la salud y para concientizar en los fumadores el respeto a las personas en los espacios públicos.

El autor con esta obra logra llegar a las personas con el mensaje, ya que su escultura por su tamaño, el lugar y el claro mensaje hace que los transeúntes se fijen en la obra y capten enseguida lo perjudicial que es el cigarrillo y que los fumadores respeten los espacios públicos.

Body Art

Guido Daniele, nacido en 1950 en Soverato, Italia, vive y trabaja en Milán.
De 1964 a 1968 asistió a la escuela de arte de Brera, y luego el curso de escultura en la Academia de Bellas Artes de Brera 1.968 a 1.972.
Desde 1972-1974 asistió a la escuela Tankas tibetano en Dharamsala, en la India..Desde 1990 ha añadido a su amplia experiencia la técnica de la pintura corporal pintando los cuerpos de las modelos para fotos, películas, publicidad, desfiles de moda y eventos. Su investigación en los últimos años le ha llevado a unir las dos técnicas de retrato tradicionales: la fotografía y la pintura al óleo tirado en el medio fotográfico en la forma de Jan Saudek. Su "maestro" de los disparos y la impresión manual en el cuarto oscuro siempre ha sido reconocido fotógrafo Francesco Radino. Su investigación se inició en 2000 sobre las "Manos Animales" hechas con la técnica de la pintura de la carrocería está disfrutando de un gran interés internacional.

"Manimales"

La serie “manimales”, comenzó originalmente cuando Daniele fue contratado por una agencia de publicidad, para hacer algunas pinturas corporales de los animales. Estas se volvieron muy famosas y se han presentado en propagandas comerciales y en galerías de artes.

Esta obra está realizada con pintura al óleo, Daniele realiza un estudio de la forma de los animales, para que así pueda usar manos como lienzos (casi siempre usa las manos de sus hijos) las huellas y cada detalle que posee la mano sirve para dar un efecto más realista de sus pinturas y representaciones de animales.

Mario Fernando García  Moreno

Nació en la ciudad de Ibarra. Su padre, Mario Francisco Raúl García Gallegos y su madre la dama Ibarreña Mercedes Magdalena del Carmen Moreno Almeida. Su padre oriundo de Riobamba, nació el 9 de febrero de 1.939. Cuando niño se trasladó a vivir a la ciudad de Ibarra, donde conoció a su esposa quien había nacido en octubre de 1.942. La influencia familiar y el ambiente artístico literario y lúdico fueron muy fuertes. En esta familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en algún instrumento musical. Como influencia importante de su vida, cita a sus tíos maternos.

En su búsqueda del arte escultórico, se vinculó al maestro imaginero y escultor, Carlos Rodríguez Se inició en este taller como aprendiz y asumió disciplinadamente el aprendizaje de su oficio, Rodríguez le inicia en las técnicas básicas de la escultura, aprendizaje que será fundamental al iniciar sus estudios universitarios Terminados sus estudios secundarios, inició la carrera de artes plásticas en la antigua Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador. Graduado con méritos en la Facultad de Artes, inició una maestría en Estudios del Arte y obtuvo además, una licenciatura en Artes Plásticas, con mención en Escultura y Cerámica, estudios y título de tercer nivel, obtenidos en la misma Facultad de Artes de la mencionada Universidad Central.

En el hogar formado por Mario García y Mercedes Moreno Almeida, nacieron cinco hijos: María Isabel, Alexandra, Helena, Silvana y Mario García Moreno. De entre ellos, debemos hacer mención a sus hermanas Helena y Silvana, que han incursionado también, con éxito, en la escultura y también en la pintura. Helena expone con gran aceptación en las galerías de Alemania y pasea su arte por Europa. Silvana, está vinculada a la dinámica de la defensa de la naturaleza y desde ese eje se vincula al arte.

Luigi Stornaiolo Pimentel

Nació en Quito en el año de 1956. Ha expuesto su obra en Ecuador, Australia, Argentina, Estados Unidos, Brasil, Perú, Italia. También ha participado en las Bienales de Venecia, Sao Paulo, Trujillo y Cuenca. Entre sus pinturas se destacan: ‘Baile como de amplio prestigio en el medio’, ‘Espectáculos energumenescos de gente ebria en noche plenilunada’,  ‘Streeptease en la mariscal’.

Luigi, cuenta que descubrió su amor por el arte desde niño, cuando su padre le regaló un libro de dibujo. “A los siete años me enfermé de gripe y tuve que guardar cama. Entonces mi padre me regaló un texto que se llama ‘Cómo dibujar’, para que no me aburra encerrado en mi cuarto. Así fue que empecé a dar mis primeros trazos. Todavía guardo el regalo que me hizo mi padre”.

Estudió arquitectura en la Universidad Central del Ecuador y de historia del arte en Europa. Su primera exposición individual la realizó en 1980, en Quito, en la Galería Club de Arte y la última en el 2011 en la sala ‘Juan Villafuerte’ del Ministerio de Cultura.

Los ochenta fueron sus años de apogeo. Pintaba alrededor de 18 horas días y su cuadros se vendían muy bien. “Llegué a realizar hasta 5 obras diarias que me dejaban una buena cantidad de plata, pude comprar dos casas y dos autos, todo iba de viento en popa”, cuenta.

pintor quiteño de amplia trayectoria, quien ha llevado sus trabajos a varios países del mundo. Es el ganador de Premio Eugenio Espejo en la categoría de Actividades Artísticas, galardón que el Gobierno Nacional, entrega a las figuras más representativas de la cultura ecuatoriana. “Toda su vida ha sido un crítico mordaz de esta sociedad fatua y vacía. Su obra está llena de personajes caricaturizados, de figuras grotescas que develan la hipocresía de la altas esferas.